Carnet de bord 14/01/2023-20/01/2023

Films vus en compagnie

The Twilight Saga: New Moon de Chris Weitz (2009, Twilight : Chapitre 2 - Tentation)

Bella est triste, Edward s’en va et la laisse toute seule. Elle pleure beaucoup. Elle se rend compte que le danger c’est cool parce que ça lui donne des visions d’Edward lui disant qu’elle fait n’importe quoi. Elle veut donc conduire une moto, vous avez compris les jeunes la moto c’est mal. Jacob il est balaise pour réparer les motos. En plus, maintenant il a des gros muscles et Bella est troublée. Sauf que Jacob aussi il a un Gros Secret et il devient relou. Avec quel mec torturé finira-t-elle l’épisode ?

J’avais prévenu, le complétisme aidant, nous avons regardé le deuxième volet de Twilight. Si le premier était déjà franchement nase, le second est encore pire. Car en plus d’être scénaristiquement faible, le rythme est catastrophique. Pendant un temps interminable, Bella se morfond sur son sort, les enjeux ne sont pas correctement dramatisés et à aucun moment je n’ai réussi à me sentir concerné par ce qu’il se passait à l’écran. Dire qu’il y en a encore 3 autres…

A Tale of Two Critters de Jack Speirs (1977, Le conte des deux animaux)

Un jeune raton-laveur et un ourson noir tombent dans une rivière et se retrouvent séparés de leur famille. Ils dérivent sur un morceau de bois et arrivent jusqu’à l’océan. Une fois revenus sur la berge, ils décident de retourner chez eux et vont s’entraider en chemin.

A Tale of Two Critters est un docufiction animalier d’une quarantaine de minutes, diffusé sur grand écran en 1977 accolé aux Aventures de Bernard et Bianca, puis dans The Wonderful World of Disney en 1978. Il a été réalisé par Jack Speirs, scénariste d’une vingtaine d’épisodes de cette émission. Il a été tourné sur la côte Nord-Ouest Pacifique, probablement vers North Cascades car c’est un des rares endroits de ce coin des Etats-Unis où il y a encore des gloutons. Entre la fin des années 40 et la fin des années 60, les studios Disney ont produit de nombreux documentaires animaliers avec en général une bonne dose d’anthropomorphisme. Leur série la plus célèbre est True-Life Adventures, qui comporte sept courts métrages puis sept longs métrages projetés entre 1948 et 1960. A Tale of Two Critters est un des derniers documentaire animalier de Disney à sortir au cinéma. Suivra une pause de 30 ans, avant la création de Disneynature en 2008.
A Tale of Two Critters propose de jolis paysages et montre nombre de mammifères : outre les ratons-laveurs et les ours noirs, on voit notamment un glouton, un grizzly, un renard roux, des orignaux, un blaireau d’Amérique, une mouffette rayée et une souris sylvestre (je pense). Niveau oiseau, deux scènes s’attardent sur un mésangeai du Canada et un grand-duc d'Amérique. Le récit est fortement anthropomorphique, et les deux animaux principaux ont dû être entrainés et/ou balancés dans des situations pas toujours agréables. Le public cible est clairement les enfants, ou les adultes capables comme nous de rester plantés pendant quarante-cinq minutes devant un raton-laveur. Bien que l’ayant vu sur Disney+, la qualité de l’image était assez mauvaise, clairement pas restaurée.

헤어질 결심 [Heojil kyolshim] de Park Chan-wook (2022, Decision to Leave)

La police découvre le corps d’un alpiniste amateur mort au pied d’un pic. Bien que les thèses du suicide ou de l’accident soient privilégiées, l’inspecteur Hae-Joon ne veut négliger aucune piste et interroge, avec son collègue Soo-Wan, la femme du défunt. Celle-ci, d’origine chinoise et parlant mal le coréen, manifeste peu de chagrin envers un mari qui la battait. Soo-Wan est persuadé qu’elle est coupable alors que Hae-Joon hésite, attiré par la belle Chinoise.

Comme beaucoup de spectateurs français, j’ai découvert Park Chan-wook avec Old Boy (2003), qui m’avait impressionné lors de sa sortie en dépit de sentiments mêlés. Je connaissais peu le cinéma coréen à l’époque et j’avais été soufflé par la violence et l’esthétique, moins par un scénario poussif avec une fin détestable. J’ai vu depuis JSA (2000) et 3 extrêmes (2004), qui ne m'ont pas convaincu. J’ai en DVD les deux autres volets de sa trilogie de la vengeance, Sympathy for Mr. Vengeance (2002) et Lady Vengeance, que je n’ai pas encore eu l’occasion de regarder. Je ne suis globalement pas fan du côté extrême de son œuvre, que ce soit en termes de sexe ou de violence, et sa photographie ultraléchée m’agace un peu. J’abordais donc Decision to Leave avec quelques réticences, décidé toutefois par sa position en numéro 1 du bilan 2022 de Mad Movies.
Point positif, Decision to Leave ne comporte pas de nudité, peu de sexe et de violence. Park Chan-wook a voulu insister sur la complexité émotionnelle, créer des personnages séduisants et non choquer comme à son habitude. De plus, il n’a pas travaillé avec son directeur de la photographie attitré, Chung-hoon Chung, il a fait appel à Kim Ji-yong, spécialisé également dans une esthétique très classe comme dans A Bittersweet Life (2005). Le résultat est néanmoins plus subtil de mon point de vue que dans les autres Park Chan-wook. Les acteurs et actrices sont excellents, en particulier le couple principal, et c’est bien filmé et monté. Je n’ai pourtant pas accroché, en raison sans doute d’une narration manipulatrice, d’une héroïne difficile à situer et d’un héros assez antipathique. L’histoire est découpée en deux parties en miroir, où une même situation convoquant les mêmes protagonistes se répète. Tous ces gens sont terriblement froids, sans empathie ni émotion. Lorsqu’ils s’avèrent finalement mus par leurs passions, je n’y ai pas cru, c’était trop artificiel, surtout dans la deuxième moitié.

Jurassic World: Fallen Kingdom de J.A. Bayona (2018)

3 ans après le désastre du parc Jurassic World, les dinosaures vivent en paix sans présence humaine sur Isla Nublar. Mais le volcan de l’île se réveille et menace de faire disparaitre toute la faune. Claire, désormais présidente d’un organisme visant à préserver les dinosaures, se démène pour lancer une opération de sauvetage. Elle est contactée par Benjamin Lockwood, ancien associé de John Hammond, qui lui propose d’organiser une mission clandestine. Il souhaite extraire le maximum de dinosaures possible avant l’éruption afin de les transférer sur une île qu’il possède. Il voudrait principalement récupérer Blue, le dernier vélociraptor. Pour cela, Claire doit demander l’aide d’Owen, qu’elle n’a pas revu depuis leur séparation.

Comme prévu et malgré la nullité du premier volet, nous avons regardé Jurassic World: Fallen Kingdom, réalisé cette fois par l’espagnol J.A. Bayona. Bien qu’il soit depuis longtemps dans le milieu, c’est seulement son quatrième long métrage. J’avais beaucoup aimé à l’époque L’orphelinat (2007) et, bien que je garde une impression globale mitigée, il y avait de bonnes idées visuelles dans Quelques minutes après minuit (2016) (pas vu The Impossible (2012)).
Si ce second Jurassic World n’est plus un copier/coller de Jurassic Park (1993), dont il pompe tout de même plusieurs plans marquants, il n’est pas d’une grande originalité dans sa trame comme dans ses personnages. Le couple de héros est toujours aussi convenu, les méchants sont sans intérêt et les nouveaux dinosaures guère charismatiques, si ce n’est un stygimoloch assez amusant. Seul élément notable, le retour de l’animatronique, qui avait été complètement mise de côté dans le précédent et dont le retour fait bien plaisir. C’est un peu moins pire que le 1 dans l’ensemble, ça demeure du blockbuster bas de gamme.

Now you see him now you don’t de Robert Butler (1972, Pas vu, pas pris)

Dexter Riley est de retour dans de nouvelles aventures trépidantes. Tout juste sorti de prison, le méchant A.J. Arno propose de financer généreusement l’université Medfield. Le directeur est ravi, tandis que Dexter et sa bande sentent l’entourloupe. Ils décident de mener l’enquête en utilisant un liquide qui permet de devenir invisible, et découvrent rapidement les plans perfides du vil A.J. Arno.

C’est la semaine des suites, après les mauvais Twilight 2 et Jurassic World 2. Now you see him now you don’t est clairement plus sympathique, et même meilleur d’après moi que L’ordinateur en folie. On retrouve une bonne partie de l’équipe d’origine, avec Robert Butler à la réalisation, Joseph L. McEveety au scénario, Kurt Russell dans le rôle principal, Joe Flynn en directeur de l’université et Cesar Romero en méchant. On a perdu l’acolyte blondinet Frank Webb, remplacé par Michael McGreevey (qui était également dans le 1). La bonne copine, déjà peu importante dans L’ordinateur en folie, est interprétée par une autre actrice et ne sert strictement à rien.
Avec 3 ans de plus, Kurt Russell a gagné en charisme et est plus convaincant. L’humour franchement absurde fait sourire, en particulier lors d’une longue séquence de golf ou lorsqu’ils présentent sans succès l’invisibilité à un comité. L’épisode précédent est quasiment ignoré, juste mentionné lorsque Dexter s’étonne qu’A.J. Arno soit déjà libre. Certaines scènes se rattachent très artificiellement au reste, la trame est proche de L’ordinateur en folie, les effets spéciaux sont nases… Tous ces problèmes sont traités avec beaucoup de nonchalance et importent peu. Cela fonctionne miraculeusement bien et donne une petite comédie fort agréable.


Films vus seuls

下町の太陽 [Shitamachi no taiyô] de Yôji Yamada (1963, The Sunshine Girl)

Machiko travaille dans une usine de savons, de même que son petit ami Michio. Celui-ci rêve de passer salarié, de déménager dans un appartement moderne en banlieue chic et d’avoir une gentille femme à la maison, alors que Machiko apprécie sa vie modeste avec sa famille dans un quartier populaire animé de Tokyo. Leur trajectoire s’éloigne doucement, Machiko estimant que l’argent ne suffit pas au bonheur et qu’il vaut mieux rester auprès des siens.

Après un moyen métrage en 1961, c’est le premier long de Yôji Yamada. Il récupère un scénario assez mauvais inspiré d’une chanson à la mode de Chieko Baishô, engagée pour interpréter Machiko. Sa rencontre avec Yôji Yamada va être décisive, à la fois pour elle et pour lui, et ils vont tourner environ 70 films ensemble. A partir d’une trame simple, Yôji Yamada réussit à imposer des thèmes qui irrigueront toute son œuvre comme le rejet du matérialisme au profit des relations humaines, la recherche du bonheur, l’intérêt pour les classes populaires et l’importance de la famille. Venu d’un milieu modeste, Chieko Baishô est parfaite dans son rôle de jeune ouvrière en apparence frêle qui ne se fait pas marcher dessus. Elle ne se laisse pas enfermer dans le carcan que la société veut lui imposer, celui d’une femme au foyer soumise dépendante de la paye du mari. Shitamachi no taiyô ne trouva malheureusement pas son public à sa sortie et c’est bien dommage.

Nazaré, Praia de Pescadores de José Leitão de Barros (1929)

Il ne reste plus que la première partie, d’une quinzaine de minutes, de Nazaré, Praia de Pescadores, la deuxième moitié étant perdue. En l’état, c’est un documentaire portant sur Nazaré, village de pêcheurs en bord de mer. Il montre les rues, les paysages alentours, les habitants et leurs habitudes. Il constitue un témoignage ethnographique unique sur cette époque.

Après Malmequer (1918) et la faillite l’année suivante de la compagnie de production qui l’avait financé, José Leitão de Barros abandonne la mise en scène pendant presque 10 ans pour se consacrer au théâtre. L’envie de refaire du cinéma survient lors d’un voyage à Nazaré, auquel il décide de consacrer un court métrage. La bobine survivante de Nazaré, Praia de Pescadores est en assez bon état et permet de remarquer le beau noir et blanc, jouant du contraste entre le décor clair (maisons blanches, ciel lumineux, sable blanc) et les habits noirs des villageois. Certains plans rappellent un peu le cinéma soviétique, influence qui sera plus visible dans son documentaire suivant, Lisboa, Crónica Anedótica (1930). C’est par ailleurs une préfiguration de Maria do Mar, docufiction tourné l’année suivante à Nazaré.
Nazaré, Praia de Pescadores n’a pas d’intrigue et je n’ai pas trouvé de description de ce que contenait la deuxième partie. A voir pour son importance historique et pour se faire une idée de ce que pouvait être un village de pêcheurs portugais à cette époque.

鬼輪番 [Oniwaban] de Takashi Tsuboshima (1974, Les mercenaires du démon)

Dans une région montagneuse reculée, un groupe d’enfants subit un entrainement inhumain afin de les transformer en démons, une élite d’espions aux ordres du shogun. Devenu adulte, la formation des cinq survivants s’achève par le viol collectif de la seule membre féminine et par le meurtre de leurs mentors. Ils sont contactés peu après par un intendant du shogun. Il leur confie pour mission d’aller détruire le stock d’armes d’un seigneur trop puissant qui risque de se rebeller.

Lorsque le septième shogun décéda à l’âge de six ans sans héritier, un cousin d’une branche secondaire, Yoshimune Tokugawa, fut choisi pour la succession. Daimyo expérimenté de 32 ans, Yoshimune amena avec lui à Edo vingt hommes de confiance, chargés de protéger le château et de lui fournir des informations. Ils furent nommés oniwaban, littéralement les gardiens du jardin. Selon un article du Tokyo Weekender, une bonne partie de leur travail consistait à écrire des rapports compilant nouvelles, rumeurs et bilans de l’état du pays, les oniwaban se joignant occasionnellement aux tournées d’inspection dans les provinces. Pour des raisons bureaucratiques, ils héritèrent du statut d'Iga-mono, anciennement réservés aux ninjas d’Iga. Alors que ces derniers étaient des guerriers spécialisés dans l’assassinat et le déguisement, l’espionnage, à de rares exceptions près, n'était pas dans leur prérogative. Les oniwaban, entourés d’une aura de mystère due à leur grande discrétion, furent mélangés aux ninjas dans l’esprit du grand public, amenant à l’image actuelle du ninja espion et assassin.
Oniwaban utilise cette vision des oniwaban et s’intègre dans la ninjasploitation de l’époque. Il est tiré d’un manga de Kazuo Koike, l’auteur de Lone Wolf and Cub, Lady Snowblood ou Crying Freeman, et est réalisé par Takashi Tsuboshima, connu principalement pour ses comédies avec les Crazy Cats, un groupe de chanteurs et de comédiens populaires dans les années 50-70. On est dans du pur cinéma d’exploitation, avec viols et violence gratuite, intrigue sommaire et personnages archétypaux. On baigne par moment dans une ambiance western spaghetti, que ce soit à travers la musique ou dans une scène où les héros meurent de soif en plein soleil. C’est très dispensable et les fans de ninjas pourront plutôt se reporter sur les huit Shinobi no Mono sortis dans les années 60, d’une qualité bien supérieure.

Peace de Kazuhiro Sôda (2010)

A Okoyama, ville située entre Kobe et Hiroshima, un couple de personnes âgées s’occupe de vieux handicapés en leur fournissant un service de transport et d’aide à domicile par le biais d’une association à but non lucratif. Le mari, Toshio Kashiwagi, s’occupe de la conduite malgré ses 70 ans passés. Pendant son temps libre, il nourrit une bande de chats errants, au grand désespoir de sa femme et de ses voisins. Hiroko, son épouse, gère l’association et effectue elle-même des visites, notamment à Shiro Hashimoto, 91 ans, atteint d’un cancer aux poumons.

Avant de lire son interview dans Les Cahiers de ce mois-ci, je ne connaissais pas Kazuhiro Sôda, bien qu’il soit en activité depuis 2007. A partir de Peace, sa femme s’occupe de la production et les deux sont très impliqués, bien que seul le nom de Kazuhiro Sôda soit mentionné à la réalisation. Comme expliqué sur le site internet qui lui est dédié, Peace vient au départ d’une commande du DMZ International Documentary Film Festival proposant à Kazuhiro Sôda de faire un court métrage sur la paix et la coexistence. Alors qu’il s’apprêtait à refuser, n’aimant pas travailler sur demande et trouvant le thème trop cliché, il changea d’avis en voyant son beau-père, Toshio Kashiwagi, donner à manger à ses chats : un nouveau chat errant venait de surgir depuis peu, bouleversant le quotidien des habitués en envahissant leur territoire. Tout en filmant les chats de son beau-père, il commença à se pencher sur le quotidien de celui-ci et de son épouse. Le court métrage devint un long, s’écartant du sujet d’origine sans que cela ne dérange fondamentalement Kazuhiro Sôda.
Kazuhiro Sôda a été influencé par Frederick Wiseman. Il tourne des documentaires d’observation, où il accumule les scènes sans préconception ni recherche préalable. Il ne découvre normalement son fil directeur qu’au montage. Il réussit ici à se raccrocher au concept initial à travers les conflits entre les chats mais aussi, un peu par hasard, par le vieux Shiro Hashimoto qui évoque à un moment ses souvenirs de guerre. Par rapport à Wiseman, sa présence est plus perceptible, n’hésitant pas à intervenir oralement une ou deux fois et étant directement interpellé par Shiro Hashimoto. Le résultat est intéressant, offrant une tranche de vie non dénuée de considérations sociales sur la situation des personnes âgées au Japon.

運が良けりゃ [Un ga yokerya] de Yôji Yamada (1966, Gambler's Luck)

Un ga yokerya suit pendant un an le quotidien des habitants d’un taudis d’Edo (ancien nom de Tokyo). Ils survivent comme ils peuvent, leur pauvreté n’entame pas leur bonne humeur et ils s’entraident contre le riche propriétaire du terrain. Leur leader, le plâtrier Kumagorô, provoque régulièrement des esclandres, surtout quand il est saoul. Sa jeune sœur, Sei, est la plus jolie fille du quartier et nombreux sont ceux qui voudraient l’épouser. Elle a toutefois un fort caractère et est soutenue par son frère, qui préfère son bonheur à un riche gendre.

Après l’échec de Shitamachi no taiyô (1963), Yôji Yamada rencontre le succès avec son deuxième long métrage, Baka marudashi (1964), avec Hajime Hana dans le rôle principal. C’est un comique à la mode, le leader des Crazy Cats, un groupe que j’avais mentionné précédemment. Hajime Hana va être l’acteur principal de Yôji Yamada dans la plupart de ses réalisations jusqu’à la fin des années 60, remplacé par Kiyoshi Atsumi lorsque débutera la série des Tora-san. Deux suites de Baka marudashi sont produites, puis une sorte de film noir avec Chieko Baishô, Kiri no hata (1965), une curiosité dans la carrière de Yôji Yamada. Un ga yokerya suit.
Depuis son enfance, Yôji Yamada est fan de rakugo. Le rakugo est un spectacle narratif humoristique où un conteur seul sur scène raconte des récits comiques d’une façon très codifiée. Il interprète tous les personnages et l’exposé se termine systématiquement par une chute. Au cinéma, le rakugo a inspiré plusieurs films, dont le plus célèbre est Bakumatsu taiyôden (1957), encore considéré comme un classique au Japon de nos jours. Pour Un ga yokerya, Yôji Yamada coécrit l’histoire avec Hisashi Yamanouchi, un des trois scénaristes de Bakumatsu taiyôden, en s’inspirant de classiques du rakugo. Il en reprend par exemple plusieurs figures récurrentes comme Kumagorô, un travailleur manuel tokyoïte au sang chaud mais au grand cœur, qui devient incontrôlable lorsqu’il boit trop. Il choisit Hajime Hana pour l’interpréter, sa sœur étant jouée par Chieko Baishô.
Pour un spectateur occidental (et même sans doute pour un certain nombre de Japonais du XXIe siècle), la plupart des références passent inaperçues et les jeux de mots sont difficilement compréhensibles/traduisibles. Tout le monde s’agite et crie beaucoup, et l’humour tombe souvent à plat. A réserver aux complétistes pur et dur.

あした世界が終わるとしても [Ashita sekai ga owaru to shitemo] de Yuhei Sakuragi (2019, Les mondes parallèles)

Shin et Kotori sont deux ami·e·s d’enfance étudiant dans le même lycée. La mère de Shin est décédée brutalement quand il était jeune. Il vit seul avec un père absorbé par son travail et rarement présent. Kotori est amoureuse de lui sans oser lui avouer clairement. Dans un univers parallèle totalitaire, elle est la princesse du Japon et Shin un opposant qui essaye de la tuer. Il décide de se téléporter dans notre monde car les deux Terres sont reliées et la mort d'un individu dans l'un entraîne son décès dans l'autre. Ne pouvant approcher la princesse trop bien protégée, le Shin alternatif vise l'assassinat de la Kotori lycéenne, une adolescente ordinaire plus facile à atteindre.

Les mondes parallèles est le premier long métrage de l’animateur Yuhei Sakuragi, également au scénario. Bien qu'il soit mal noté sur imdb et qu'il n'ait pas une bonne réputation, j’étais curieux en raison des trois T donnés par Télérama. Ça fait des années que je ne lis plus ce magazine et sa sévérité semble avoir fortement déclinée avec le temps. Parce que mettre trois T à ce machin, faut avoir un peu fumé la moquette. Techniquement, la 3D ne fonctionne pas. Ils ont apparemment utilisé un logiciel de pointe de deep learning, désolé va falloir encore bosser parce que le résultat est assez moche, ça manque de fluidité et les mouvements font faux. Le concept d’univers parallèles a été exploré de façon bien plus intéressante ailleurs (encore récemment avec Everything Everywhere All at Once (2022)), et il est navrant de voir à quel point les scénaristes reprennent encore et toujours les mêmes clichés d’ado.


Livres

Le temps mort de René Belletto (J’ai lu, collection « S-F Fantasy », 1995), 256 p.

Ce recueil de dix nouvelles allant d’une dizaine à une soixantaine de pages est la première œuvre de René Belletto, parue en 1972. Toutes les histoires se passent en France, plus ou moins à notre époque, et baignent dans une atmosphère étrange, parfois matinée de surnaturelle. Elles comportent à peu près toutes comme personnage principal un homme solitaire renfermé sur lui-même.

C’est mon premier livre de René Belletto, apparemment plus réputé pour ses romans policiers. Le temps mort n’est pas vraiment de la science-fiction ni du fantastique, on est plus dans des univers oppressants où le narrateur est dépassé par des évènements bizarres sur lesquels il n’a pas prise. La plupart des textes se terminent sur une chute plus ou moins inattendue. Le problème, c’est que ses conclusions tombent à plat, et que le chemin qui y a mené n’était guère passionnant. Sur les dix nouvelles, il n’y en a aucune qui m’ait convaincue. Je ne retenterai pas l’expérience (à moins d'avoir un autre bouquin de lui quelque part dans ma bibliothèque chez ma mère mais je ne crois pas).

Peuple invisible de Shôhei Kusunoki (Cornélius, collection « Pierre », 2020), 336 p.

Ce deuxième recueil de l’intégrale Shôhei Kusunoki contient huit nouvelles publiées entre 1970 et 1972, principalement dans le magazine Garo. A une exception près, elles se déroulent toutes au temps des samouraïs et se concentrent sur des gens du peuple confrontés à la pauvreté ou à la dureté de la vie. L’une d’elle, En loques, est particulièrement longue, elle est divisée en huit parties et occupe plus du tiers du livre.

Les histoires de ce second volume sont encore très sombres. Le thème de la maladie est un peu moins omniprésent, la mort est toujours là et la vie des pauvres n’est guère plus réjouissante que dans La promesse. J’ai moins accroché dans l’ensemble à ce Peuple invisible, moins marquant que le précédent. La dernière longue nouvelle, En loques, m’a laissé un peu dubitatif, je n’ai pas réussi à entrer dedans. Petite remarque pour finir : j’ai un peu de mal à comprendre la présentation de Cornélius disant que l’influence de Yoshiharu Tsuge se ressent chez Shôhei Kusunoki. Ils sont pour moi fort différents, à la fois dans leur style (Shôhei Kusunoki n’a pas du tout le côté onirique bizarre de Tsuge) et dans leurs thèmes. Il n’y a pas chez Shôhei Kusunoki l’obsession pour le sexe et la violence qui m’avait gênée chez Tsuge, pas non plus de récits de voyage un peu ennuyeux, d’aspects autobiographiques marqués ou de héros incompris et misogyne. L’influence se situe peut-être plus dans l’idée de faire du gekiga sombre et tragique, pour un public plus adulte et intellectuel. J’ai du mal à dire en l’état actuel de mes connaissances, Cornélius n’ayant pas proposé ici de présentation détaillée comme dans les recueils de Tsuge.


Revues

Les Cahiers du cinéma n°794 – Janvier 2023

Pas franchement enthousiasmé par le numéro de ce mois-ci. Côté nouveauté, c‘est maigre. Tár (2022) de Todd Field me fait un peu peur, ça sent le truc auteurisant, avec une performance d’actrice de Cate Blanchett en chef d’orchestre lesbienne rigide, et ça dure 2h38. Je découvre par contre le japonais Kazuhiro Soda, je n’en avais jamais entendu parler, va falloir que j’explore ça (premier essai avec Peace chroniqué plus haut). Le monde du documentaire japonais est pour moi assez obscur, j’ai juste vu les classiques de Noriaki Tsuchimoto sur l’empoisonnement au mercure à Minamata et plusieurs travaux de Shinsuke Ogawa, plus quelques titres de-ci de-là.

Pas masse de découvertes non plus dans le reste du magazine. Je ne connais pas du tout l’œuvre de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet, qui constitue le gros dossier du mois, et ce que j’en ai lu ne me donne pas envie. Rien du côté des livres et des ressorties. Seule surprise, les quelques pages consacrées au réalisateur Larry Cohen, spécialiste du cinéma d’horreur à petit budget. J’avais apprécié The Stuff (1985), le yahourt qui tue les gens, moins Meurtres sous contrôle (1976) dont j’ai un souvenir lointain. Ses films sont tous horriblement mal notés sur imdb, pas trop un critère, faudrait que j’en récupère quelques-uns au hasard.