Carnet de bord 11/02/2023-17/02/2023

Films vus en compagnie

Udon de Katsuyuki Motohiro (2006)

Ne réussissant pas à percer comme comique aux Etats-Unis, Kosuke est contraint de revenir habiter chez son père dans la préfecture de Kagawa, située sur l’île de Shikoku. Afin de rembourser ses dettes, il prend un petit boulot dans un journal local avec un salaire indexé sur le nombre d’exemplaires écoulés. Avec son meilleur ami et une rédactrice du périodique, ils ont l’idée, pour booster les ventes, de mettre en avant les petits restaurants obscurs d’udon qui pullulent dans la région. Ils se lancent dans un pèlerinage du udon, qui engendre rapidement une ferveur régionale puis nationale.

J’avais lu récemment une critique qui mettait sur le même plan trois réalisations de Katsuyuki Motohiro : Summer Time Machine Blues (2005), Go Find a Psychic! (2009) et Udon (2006). Etant fan des deux premières, j’ai immédiatement noté la troisième. Malheureusement, elle n’est pas scénarisée par Makoto Ueda et ça se sent. Elle n’a pas la gentillesse bête et le rythme des deux autres, s’enlisant dans son concept. Udon dure 2h15, il aurait clairement gagné à faire 30 à 45 minutes de moins. Toute la partie sur le pèlerinage du udon est beaucoup trop longue, et la dernière demi-heure enchaîne les clichés sur le père sévère qui avait raison et sur l’importance des traditions et de la communauté. Ça se termine sur un happy end forcé et artificiel. Dommage, y’avait du potentiel. A noter la présence de trois acteurs de Summer Time Machine Blues, toujours aussi neuneus.

Mary Poppins Returns de Rob Marshall (2018, Le retour de Mary Poppins)

Les enfants Banks ont grandi. Michael a récupéré la maison après le décès de son père, il s’est marié et a eu trois enfants. Sa femme est décédée l’année précédente et il est aidé par sa sœur Jane, encore célibataire et qui travaille comme organisatrice syndicale. Michael est un mauvais gestionnaire, il a oublié de payer les traites de son prêt à la banque et des avocats menacent de saisir sa demeure s’il ne rembourse pas rapidement l’intégralité du prêt. Il se souvient que son père avait des actions mais il ne réussit pas à mettre la main dessus. Sur ces entrefaites, Mary Poppins débarque pour s’occuper des enfants.

Le retour de Mary Poppins est la suite directe du Mary Poppins de 1964. Emily Blunt remplace de façon convaincante Julie Andrews et Lin-Manuel Miranda campe un rôle assez similaire à celui de Dick Van Dyke (qui apparaît en guest-star à plus de 91 ans). C’est mis en scène par Rob Marshall, qui n’a rien fait de notable après son remarqué Chicago (2002). L’histoire est bizarrement conçue, Mary Poppins n’ayant que peu d’incidence sur l’intrigue tournant autour de la saisie de la maison. Elle se conclut par un deus ex machina qui serait survenu quelles que soit les actions menées par les personnages principaux. Les acteur·ice·s qui jouent les enfants sont mauvais, les chansons sont quelconques et les effets spéciaux d’une qualité variable. Ce n’est pas désagréable, c’est très loin cependant de la magie de l’original.

Ready or Not de Matt Bettinelli-Olpin & Tyler Gillett (2019, Wedding Nightmare)

Grace se marie avec Alex le Domas, fils d’une riche famille, dans la demeure familiale de ce dernier. Lorsqu’ils montent dans la chambre pour la nuit de noces, il explique à Grace qu’il faut redescendre pour se prêter à une tradition concluant chez eux la journée de mariage. Le nouveau membre de la famille doit prendre une carte et se prêter au jeu qui y est indiqué. Grace tombe sur cache-cache : elle doit se planquer quelque part dans la maison et les autres doivent la retrouver. Pourquoi ce tirage, d’un jeu certes un peu nase, suscite-t-il un tel malaise chez les le Domas ?

J’avais dû entendre parler de cette comédie horrifique dans un Mad Movies au moment de sa sortie. Après un démarrage un peu mou, le rythme s'accélère jusqu’à un final grand-guignolesque assez réjouissant. C’est un bon divertissement, créé par un duo dont c’est le deuxième long métrage. Le premier, Devil’s Due (2014), était apparemment raté. Ready or Not repose beaucoup sur les épaules de Samara Weaving, la nièce d’Hugo Weaving, suffisamment investie pour être crédible de bout en bout. Le scénario est simple et prévisible, la morale est facile, ça fonctionne pourtant, le spectateur n’étant pas venu là pour réfléchir. A noter la présence d’Andie MacDowell dans le rôle de la mère, que je n’avais pas dû voir depuis son apparition dans Les Muppets dans l'espace (1999).

Roald Dahl's Matilda the Musical de Matthew Warchus (2022, Matilda, la comédie musicale)

Mme Wormwood donne naissance bien malgré elle à une petite fille, Matilda. Non désirée par ses parents, elle est laissée à elle-même, n’est pas envoyée à l’école ni éduquée proprement. Elle compense en lisant énormément et en passant son temps dans une bibliothèque itinérante. Son cas est repéré par l’administration et les Wormwood sont contraints de l’envoyer à l’école, à la grande joie de Matilda. L’ambiance à l’école n’est toutefois pas ce à quoi elle s’attendait, les élèves étant quotidiennement terrorisés par l’affreuse directrice, Mme Trunchbull.

Je ne connaissais pas Roald Dahl quand j’étais jeune et je n’ai jamais lu Matilda. Mon seul point de comparaison est la sympathique version de Danny DeVito de 1996. Si le scénario est globalement similaire entre les deux, l’esprit diffère. A l’image du DeVito, Matilda the Musical commence dans une atmosphère farcesque. Il ne continue néanmoins pas dans cette perspective et devient rapidement sombre. Matilda est sérieuse, dure, on est plus dans une ambiance de conte cruel et merveilleux que de grosse comédie, plus proche je pense de l’optique de Roald Dahl. Les numéros musicaux sont plutôt réussis, de même que quelques chansons. Si certains enfants ne jouent pas bien, ça reste globalement acceptable. J’ai particulièrement apprécié le feuilleton de la femme enflammée se balançant dans les airs avec de la dynamite dans les cheveux au-dessus de requins et d’objets pointus attrapée par l’homme enfermé dans une cage. C’est réalisé par Matthew Warchus, dont le long métrage précédent, Pride (2014), m'avait également plu.

漁港の肉子ちゃん [Gyokô no Nikuko-chan] d’Ayumu Watanabe (2021, La chance sourit à Madame Nikuko)

Kikuko est une pré-adolescente baladée par sa mère Nikuko à travers le Japon. Manipulée par des amants de passage qui lui soutirent de l’argent, Nikuko déménage après chaque chagrin d’amour, entrainant sa fille avec elle. Arrivées depuis quelques mois dans un petit port de pêche situé dans le Sendai, le Nord-Est de l’île principale du Honshu, elles vivent dans un bateau prêté par le propriétaire du bar dans lequel travaille Nikuko. Bien qu’aimant sa mère, Kikuko a souvent honte de cette femme obèse et extravertie. Elle essaye de s’intégrer dans son école et espère qu’elles se stabiliseront enfin et resteront dans cette petite ville tranquille.

Gyokô no Nikuko-chan est tiré du roman éponyme de l’écrivaine Kanako Nishi, également adapté en manga. Elle a imaginé le récit lors d’un voyage dans le Sendai avant le tsunami de 2011, dans un restaurant de viande grillée d’un petit village côtier. Comme d’habitude avec le studio 4°C qui produit, c’est techniquement impeccable. C’était déjà le cas de l’œuvre précédente d’Ayumu Watanabe, Les enfants de la mer (2019), qui ne m’avait pas convaincu à l’époque malgré sa parfaite direction artistique. Si le thème du passage de l’enfance à l’âge adulte est classique, Gyokô no Nikuko-chan fait preuve d’une certaine originalité dans le traitement, que ce soit la mère, bonne vivante et encombrante, le garçon grimaçant ou les animaux qui parlent. Cela donne un joli petit film ancré dans le quotidien, sur l’acceptation de soi et de l’autre.


Films vus seuls

愛の讃歌 [Ai no Sanka] de Yôji Yamada (1967, Song of Love)

Dans un petit village situé sur une île de la mer intérieure au large de Shikoku, Ryûta planifie son émigration pour le Brésil, malgré son amour pour Haruko. Il veut s’éloigner de son père, Senzô, avec qui il a des relations orageuses, et montrer qu’il peut gagner sa vie sans l’aide de personne. Bien qu’anéantie par cette décision, Haruko ne souhaite pas qu’il ait de regrets et l’incite à partir. Plusieurs mois après son départ, alors que Ryûta n’écrit qu’épisodiquement à son père et ne donne aucune nouvelle à Haruko, celle-ci révèle au médecin du village et à Senzô qu’elle est enceinte de Ryûta.

Ai no Sanka est une transposition de Fanny de Marcel Pagnol dans le Japon des années 60. Ça ne saute pas aux yeux si on ne le sait pas, Yôji Yamada ayant parfaitement réussi la naturalisation du texte et son intégration dans son univers habituel fait d’humanisme et d’entraide dans le petit peuple. Par rapport au Pagnol, Ryûta/Marius passe un peu au second plan. Ce n’est pas plus mal car son interprétation par Jin Nakayama, qui n’a pas eu une carrière extraordinaire, ne m’a guère enchanté. Le docteur/Panisse a une fonction de protecteur bienveillant plutôt que de mari. Même si la fin est un peu abrupte et qu'il ne fait pas partie des meilleurs Yôji Yamada, Ai no Sanka est malgré tout une comédie dramatique tout à fait correcte et Chieko Baisho est, comme d’habitude, très juste dans le rôle d'Haruko.

大怪獣のあとしまつ [Daikaijû no Atoshimatsu] de Satoshi Miki (2022, What to Do with the Dead Kaiju?)

Un kaiju ressemblant étrangement à Godzilla décède subitement après avoir terrorisé le Japon. Son corps git au milieu d’un fleuve, avec une blessure béante dans la poitrine. Que faire du corps et comment s’en débarrasser ? Est-il dangereux, toxique ou radioactif ? Quel ministère doit se charger de cette tâche ? Ne pourrait-on pas garder le corps en l’état et en faire une attraction touristique ? Et que faire de l’agence autonome rattachée au premier ministre qui avait été constituée pour s’occuper du kaiju ?

Comme expliqué précédemment, les films de Satoshi Miki sont habituellement des petits budgets au scénario loufoque, peuplés de loosers excentriques à qui il arrive des aventures stupides présentées comme extraordinaires. Les scènes amusantes ou bizarres s’enchaînent, sans lien fort entre elles, créant un univers propre à Satoshi Miki. Ce schéma, qui correspondait à tous ses longs métrages jusqu’à présent, est complètement abandonné dans What to Do with the Dead Kaiju?, sorte de parodie de Shin Godzilla (2016).
On y retrouve les discussions et manigances entre les différentes administrations du gouvernement, chacune essayant de tirer son épingle du jeu. C’est filmé de façon trop traditionnelle, avec ralenti pour faire classe, musique pompeuse et effets spéciaux numériques à gogo. Le kaiju étant mort, Satoshi Miki ne réussit pas à instaurer la tension qui habitait Shin Godzilla et il se prend trop au sérieux, tombant dans les travers du blockbuster d’action japonais avec ses héros au sourire éclatant et ses héroïnes stoïques au tailleur impeccable. Le couple principal est particulièrement insipide, la romance est digne d’un mauvais soap et l’humour tombe à plat. Malgré un pitch amusant, What to Do with the Dead Kaiju? n’est donc guère original. En parodie de tokusatsu (genre large englobant tout ce qui repose sur les effets spéciaux, soit les kaijus, les super-héros, les méchas…), mieux vaut revoir Big Man Japan (2007), pastiche respectueux et distrayant tourné comme un faux documentaire.

楚留香與胡鐵花 [Chu Liuxiang yu Hu Tieh-Hua] de Lin Ying (1980, Chu Liuxiang and Hu Tieh-Hua)

L’homme de bois a été assassiné par un individu ressemblant à Chu Liuxiang et utilisant un éventail identique. Afin de se disculper, celui-ci est contraint de découvrir le vrai meurtrier. Il soupçonne la terrible déesse de pierre de la miséricorde. Elle est cachée dans le désert de Gobi, lieu dangereux où il est risqué de s’aventurer seul. Afin de l’aider dans sa quête, Chu Liuxiang sollicite l’aide de deux de ses amis, le téméraire Hu Tieh-Hua et le sage Ji Bing-Yan, qui connait bien le désert.

Je continue avec les adaptations de Gu Long. Chu Liuxiang and Hu Tieh-Hua est tiré d’un des rares romans de l’auteur traduits en français, Les aventures de Chu Liuxiang Tome 2 - Aventures dans le désert de Gobi. Je l’ai lu il y a plusieurs années et j’avoue ne pas m’en souvenir suffisamment pour juger de la fidélité du scénario à sa source.
On est encore une fois dans du cinéma taïwanais fauché. La version que j’ai récupérée était d’une qualité catastrophique, avec des sous-titres à la limite du compréhensible et un montage erratique que je soupçonne d’être d’origine vu ce qui se faisait à l’époque. L’histoire est hachée, ils ont pris des morceaux du livre, très riche en personnages et en péripéties comme d’habitude avec Gu Long, et les ont collés comme ils pouvaient dans un long métrage de moins de 1h30. C’est par contre bien interprété, les acteur·ice·s sont choisi·e·s judicieusement et charismatiques. Les scènes d’action, sans être impressionnantes, sont honnêtes et lisibles. Cela donne une petite série B d’action/aventure distrayante, dès lors qu’on accepte de survoler le récit.

バブル [Baburu] de Tetsurô Araki (2022, Bubble)

Quelques années auparavant, Tokyo a été dévastée par une pluie de bulles surgies de nulle part puis entourée d’un dôme géant dans lequel les lois de la gravité ont été modifiées. Les bulles ont englouti partiellement la ville et continuent de flotter dans les airs. La mégalopole a été désertée et n’est plus habitée que par des adolescents orphelins, qui s’affrontent en équipe dans des courses effrénées à travers les ruines. Hibiki est le meilleur d’entre eux, le seul à savoir rebondir sur les bulles. Il est fasciné par la tour de Tokyo, qui émet un chant que lui seul entend et autour de laquelle la gravité est particulièrement perturbée. Alors qu’il essaye de l’atteindre, il tombe dans l’eau et commence à se noyer. Il est sauvé par une curieuse jeune fille mutique, qui semble pouvoir interagir avec les bulles.

C’est suffisamment rare pour le souligner, Baburu est un scénario original qui ne provient ni d’un roman, ni d’un manga (bien qu’un manga inspiré du film soit sorti depuis). Il est réalisé par Tetsurô Araki, spécialisé jusqu’à présent dans les séries animé. Produit par Wit Studio, dont je n’avais jamais entendu parler, il a bénéficié d’un beau budget et les scènes d’action sont visuellement impressionnantes. Narrativement par contre, c’est mince, les personnages correspondent à des stéréotypes classiques et l’héroïne est complètement transparente, un faire-valoir sans épaisseur. Il n’y a guère d’enjeu, le spectateur ne se sent pas impliqué et l’univers créé est à peine effleuré. La source de Baburu est apparemment un concept art sur une petite sirène mécanique dans un Tokyo dystopique. On a un peu l’impression qu’ils sont partis dans une autre direction en se raccrochant comme ils pouvaient à leur idée d’origine. Le résultat est bancal et Baburu est dispensable.

ならず者 [Narazumono] de Teruo Ishii (1964, An Outlaw)

Un tueur accomplit sa mission et rentre à son hôtel, où il est censé récupérer ses gages et un faux passeport. En arrivant dans sa chambre, il tombe sur le cadavre d’une femme allongée sur son lit. Comprenant qu’il a été dupé, il s’enfuit et se lance à la recherche du commanditaire, récupérant par hasard dans la rue un chargement de drogue. Il passe un accord avec le trafiquant pour lui remettre la drogue contre des informations, mais ils sont tous les deux doublés par la compagne de ce dernier.

Teruo Ishii est célèbre en Occident pour ses œuvres érotico-horrifiques dans l’esprit ero guro nansensu, comme Horrors of Malformed Men (1969) tiré du court roman L'île panorama d’Edogawa Ranpo. Il a débuté sa carrière avec la série des Super Giant, super-héros de SF pour enfants de la Shintoho, avant de s’orienter vers des films de gangsters/yakuzas pour la Toei. Il tourne dans ce cadre Abashiri bangaichi (1965), qui propulse l’acteur Ken Takakura au rang de superstar. Sorti un an plus tôt, Narazumono comporte déjà Ken Takakura dans le rôle principal et Tetsurô Tanba en antagoniste/allié secondaire, dans une ambiance noir-isante, voix off et femme fatale comprises.
Filmé en partie à Hong-Kong et Macao, Narazumono utilise intelligemment les décors, alternant taudis, marchés et rues désertes. La musique imprégnée de jazz mélancolique renforce la noirceur. C’est ultra-prévisible de bout en bout et Ken Takakura interprète son habituel bandit tragique, droit dans un univers corrompu, ultime bastion d’un certain code de l’honneur perdu. Narazumono est tout de même réussi dans son genre grâce à l’originalité du cadre géographique et la qualité de la réalisation.

海賊八幡船 [Kaizoku bahansen] de Tadashi Sawashima (1960, The Pirates)

Un jeune marchand, Kamon Isono, se dispute avec une bande de pirates dans une auberge. Alors qu'ils s'apprètent à en venir aux mains, les brigands refusent de le combattre après avoir entendu son nom. Kamon apprend qu’il est le fils d’un chef de pirates, que ses parents ont été tués par le vil Uemondayu et qu’il a été enlevé quand il était jeune. Le clan de son père lui demande d’honorer son géniteur en prenant les commandes d’un nouveau navire qu’ils ont construits. D’abord réticent, il accepte afin de sauver sa sœur, kidnappée par Uemondayu pour être vendue comme esclave.

Kaizoku bahansen se déroule en 1561, durant la fin de l’âge d'or des wakô, les pirates japonais qui pillaient les côtes chinoises et coréennes au XVIe siècle. Il oppose des gentils pirates, dont l’occupation principale est de faire la fête, à un méchant renégat sanguinaire et esclavagiste. Plus que les évènements historiques, l’inspiration de Kaizoku bahansen est le modèle hollywoodien, les pirates étant à la mode aux Etats-Unis depuis les années 40. Le scénario est stéréotypé, prétexte à des rivalités viriles, à une romance avec la femme pirate qui au début déteste le héros et finit par l’aimer, à des scènes d’abordage et à une attaque de sauvages franchement gênante (avec des Japonais blackfaces en pagne et lance, sur une île située entre Okinawa et Taïwan).
Kaizoku bahansen est réalisé par Tadashi Sawashima, dont j’ai vu deux autres titres et qui était spécialisé dans les films de sabre et de yakuzas. Il a également fait plusieurs comédies musicales avec la star Hibari Misora. Produit par la Toei, on y reconnait pas mal de vétérans du studio en seconds couteaux, l’acteur de kabuki Hashizô Ôkawa tenant le rôle principal. Le budget est conséquent, il y a de jolies maquettes, de vrais navires dans un bassin de studio et les abordages sont assez dynamiques, bien que brouillons. La mise en scène n’est pas au top, elle manque de souffle et d’ampleur et s’enlise parfois, comme dans les longues séquences de joies inutiles lors de l’arrivée et du départ des pirates de leur île. Kaizoku bahansen est une curiosité, pas plus ni moins intéressant qu’un équivalent américain quelconque, racisme compris, loin par contre des réussites du genre. Je n’ai pu le récupérer que dans une mauvaise copie délavée sans doute recadrée, je ne sais pas s’il existe dans une meilleure qualité.

雨を告げる漂流団地 [Ame o tsugeru hyôryû danchi] de Hiroyasu Ishida (2022, Les murs vagabonds)

Kosuke et Natsume sont deux ami·e· s d’enfance, qui passaient tout leur temps plus jeune chez le grand-père de Kosuke. Lorsque celui-ci est décédé, ils se sont éloignés l’un de l’autre et ne se parlent quasiment plus. Des camarades de classe de Kosuke lui proposent d’aller faire une chasse aux fantômes dans l’ancien immeuble de son enfance, qui va prochainement être détruit. Lorsqu’ils pénètrent dans le vieil appartement désaffecté du grand-père de Kosuke, ils tombent sur Natsume. Une dispute s’ensuit, Natsume tombe dans le vide et atterrit dans l’océan. Les enfants réalisent soudain que l’immeuble n’est plus en ville, il a été transporté dans une immense étendue d’eau sans rien à l’horizon.

Comme Le Mystère des pingouins que j’avais apprécié, Les murs vagabonds est produit par le studio Colorido et mis en scène par Hiroyasu Ishida. Il n’y a malheureusement pas cette fois l’excellent Makoto Ueda au scénario, l’auteur de Summer Time Machine Blues (2005) ou Beyond the Infinite Two Minutes, et Les murs vagabonds n’a pas la folie joyeuse qui imprégnait Le Mystère des pingouins. Ses deux héros pré-adolescents ne sont pas crédibles, ils agissent et raisonnent comme des adultes nostalgiques d’un lointain passé. Les autres jeunes sont présentés brièvement et laissés à eux-mêmes par la suite. Le spectateur comprend rapidement que tout ce monde irréel vise à l’acceptation du deuil, les protagonistes mettent deux heures pour en arriver à la même conclusion. C’est esthétiquement fort joli mais il n’y avait guère matière à en faire un long métrage.

佐々木小次郎 [Sasaki Kojirô] de Hiroshi Inagaki (1950-1951)

Sasaki Kojirô est un jeune bretteur ambitieux, qui développe son propre style pour devenir un maître d’escrime. Il abandonne la femme qu’il aime, promise à un de ses amis, pour aller parcourir le monde et améliorer son art. Son manque de modestie et son insolence le mettent régulièrement en difficulté, et il a du mal à se satisfaire d’une position subalterne acquise chez un riche seigneur. Lorsqu’il entend dire que son ancien amour est à proximité, il court la voir et s’enfuit avec elle. Il est rattrapé par des assassins qui sont à ses trousses et ils doivent se séparer. Dépité, il se met à mener une existence de mendiant jusqu’à ce qu’il tombe sur une illustre danseuse, qui l’avait déjà aidé autrefois.

Sasaki Kojirô est un personnage historique, surtout célèbre pour avoir été le meilleur opposant de Miyamoto Musashi. Il apparaît dans toutes les œuvres portant sur ce dernier, et a eu lui-même droit à plusieurs longs métrages centrés sur sa vie. En 1950, après cinq années d’occupation américaine, les films de samouraïs recommencent doucement à revenir sur les écrans. La Toho décide de financer une grande trilogie consacrée à Sasaki Kojirô, qu’elle confie à Hiroshi Inagaki, un des maîtres du genre avant et pendant la guerre. De façon un peu curieuse, ils mettent en tête d’affiche Nakamura Jakuemon IV, un immense acteur de kabuki spécialisé dans les rôles d’onnagata et ayant peu d’expérience au cinéma.
La seule version de cette trilogie disponible en DVD au Japon est une compilation de 2h20 montée par la Toho (les affiches que j'ai mises sont celles du deuxième et du troisième épisodes). Il manque plus de la moitié de l’histoire et ça se sent, surtout dans la première partie où les évènements s’enchaînent sans répit, dans un montage extrêmement haché. C’est dommage car c’est un spectacle divertissant, bien filmé avec des acteur·ice·s concaincant·e·s et de nombreuses péripéties. Les tergiversations du héros gonflent un peu (sans doute moins dans la version intégrale où elles doivent être plus espacées dans le temps) et Nakamura Jakuemon IV n’est pas vraiment à l’aise dans les combats. Ce n’est néanmoins pas grave et je serais curieux de savoir dans quelle mesure cette trilogie, gros succès à l’époque, a influencé les adaptations de la vie de Miyamoto Musashi qui ont suivies. A noter la présence de Toshirô Mifune en Miyamoto Musashi, qui apparaît dans deux scènes où il crève l’écran, éclipsant tout le reste du casting.


Livres

Algues vertes, l'histoire interdite d’Inès Léraud et Pierre Van Hove (Delcourt, 2019), 160 p.

Durant trois ans entre 2016 et 2019, la journaliste Inès Léraud a enquêté sur le phénomène des algues vertes, qui prolifèrent sur les côtes bretonnes dès le printemps depuis des décennies. Installée en Bretagne à partir de 2015, elle a effectué un travail de terrain en allant discuter avec les acteurs locaux, en plus de compiler les documents existants sur le sujet. Dans Algues vertes, l'histoire interdite, elle part de deux accidents, le décès d’un cheval en juillet 2009 dans la baie de Saint-Michel-en-Grève puis d’un conducteur de camion ramassant des algues en août 2009, pour retracer l’histoire des algues vertes en Bretagne. Elle examine les raisons de leur prolifération, ainsi que les réticences des élus et de certaines parties de la population à admettre leur dangerosité.

J’avais déjà vu passer des articles sur les algues vertes en Bretagne sans m’être jamais penché sur le sujet. Algues vertes, l'histoire interdite se lit comme un bon roman et est assez déprimant : encore une fois, les intérêts financiers prennent le pas sur les questions de santé publique, il ne faut rien dire afin de ne pas froisser le lobby agro-industriel et ne pas effrayer les touristes. Loin de l’opposition méchants agriculteurs contre gentils écologistes, Inès Léraud montre bien comment quelques grands groupes imposent leurs vues à des agriculteurs locaux dépendants, en collaboration avec des élus amis intégrés aux mêmes réseaux. Voulant maintenir leur modèle intensif, ils font tout pour nier le lien entre algues vertes et agriculture ou le fait que les algues peuvent tuer. Le dessin de Pierre Van Hove colle parfaitement au récit, épuré tout en mettant en avant les détails importants, avec une palette chromatique tirant fortement vers le vert en rapport avec le thème central. Algues vertes, l'histoire interdite mérite sa bonne réputation, c’est une enquête passionnante qui lève le voile sur une dérive toujours en cours et niée en partie par les autorités locales. Le débat n’est d’ailleurs pas près de retomber, une adaptation cinématographique devant sortir en 2023.

Le pèlerinage enchanté de Clifford D. Simak (Denoël, collection « Présence du futur », 1987), 262 p.

Le clerc Mark Cornwall découvre dans la reliure d’un vieux manuscrit un parchemin portant sur les Anciens, un peuple mythique habitant le Pays Désolé. Situé au-delà de la frontière, c’est un territoire sauvage que les humains n’ont pas réussi à coloniser, contrôlé par des créatures magiques. Mark décide de d’y rendre, accompagné dans sa quête par Olivier le lutin des toits, Sniveley le gnome, Gib l’homme des marais, Hal du peuple des collines et son fidèle raton-laveur, et Mary la jeune servante au passé mystérieux. Ils vont devoir avancer en terrain hostile et affronter les chiens d’enfer et la Bête-du-Chaos pour espérer parvenir aux Anciens, s’ils existent encore.

Après l’agréable A chacun ses dieux, j’ai repris un bouquin de Simak dans ma bibliothèque. Il me semblait l’avoir déjà lu ado, je n’en avais toutefois pas le moindre souvenir. J’ai retrouvé l’écriture paisible que j’avais apprécié dans A chacun ses dieux, le mélange harmonieux des cultures teinté d’humanisme bienveillant. C’est une fantasy sans gloire, sortant des chemins balisés et où les méchants ne sont pas caricaturaux. Le couple principal est malheureusement plutôt raté, leur relation paraît artificielle et la jeune femme est moins bien caractérisée que les autres membres de la troupe. La conclusion est un peu décevante, elle ouvre des réflexions et perspectives qui se démarquent du reste, dans un esprit différent qui fait un peu tache. C’est au final un livre imparfait, seulement à moitié réussi.

Shiro Kido: Cinema Shogun de Mark Schilling (ebook, 2012), 55 p.

Shiro Kido: Cinema Shogun est un ebook d’une quarantaine de pages consacré au producteur Shirô Kido écrit par le spécialiste du cinéma japonais Mark Schilling. Il y décrit dans le détail la carrière de Shirô Kido à la Shôchiku, de son poste de directeur des studios de Kamata en 1924 à sa présidence de la Shôchiku de 1954 à sa mort en 1977. Son influence a été déterminante durant cette période, à tel point qu’on peut parler d’un style Kamata qu’il a imposé, des films ancrés dans la vie quotidienne baignés d’un humanisme optimiste. Proche de son personnel, Shirô Kido institua une ambiance familiale doublée d’un paternalisme qui ne tolérait pas la contradiction : ceux qui respectaient ses principes, comme Ozu ou Yôji Yamada, gardaient sa confiance en dépit des échecs, les autres finissaient par partir, comme Naruse ou Ôshima. Alors que le cinéma japonais est généralement abordé sous l’angle des réalisateurs, d’autant plus en France où la théorie des auteurs est dominante, Mark Schilling redonne à Shirô Kido sa place centrale dans l’histoire de la Shôchiku et aide à mieux comprendre le fonctionnement des studios durant cette période.

Ce petit livre comble un trou dans la recherche en langue occidentale. Il n’y a en effet, à ma connaissance, aucun ouvrage qui se focalise sur un producteur japonais. Dans ce pays, le réalisateur est habituellement considéré comme le maître de son œuvre, il a généralement un contrôle quasi-total et un droit de regard sur tous les aspects. L’atmosphère est totalement différente de celle de l’âge d’or des studios hollywoodiens, où les producteurs mettaient leur nez partout, choisissant le casting, congédiant les metteurs en scène qui les contrariaient, changeant le scénario en cours de route ou imposant une nouvelle fin. Rien de tel a priori au Japon. Néanmoins, malgré la puissance théorique des réalisateurs japonais, on retrouve au sein d’un même studio des caractéristiques communes. Outre le style Kamata de la Shôchiku, les tokusatsu de la Toho, les films noirs de la Nikkatsu ou les séries de yakuzas chevaleresques de la Toei pour citer quelques exemples sont aisément rattachables à leur lieu de production. Il est donc intéressant de se pencher sur ce monde des studios, et notamment sur la figure du producteur.
Shirô Kido semble assez unique dans la façon dont il a influencé ouvertement et sur la durée la ligne éditoriale d’un studio majeur. Mark Schilling en dresse un portrait particulièrement bienveillant, s’attardant peu sur les nombreuses tensions qui ont émaillé sa carrière. J’aurais par exemple aimé en savoir plus sur son éventuelle implication dans l’attaque de yakuzas contre la star Chôjirô Hayashi, mesure de rétorsion à la suite du départ de ce dernier de la Shôchiku. Le rôle de Shirô Kido durant la guerre est également évoqué trop brièvement, son importance étant fortement minimisé. Mitsuyo Wada-Marciano a pourtant montré dans Nippon Modern – Japanese cinema of the 1920s and 1930s (excellent bouquin, faudrait que je le relise à l’occasion) comment la Shôchiku a participé à l’effort de guerre et à l’idéologie nationaliste durant cette période. A la décharge de Mark Schilling, dans un format aussi court, il ne peut que survoler les évènements. Shiro Kido: Cinema Shogun reste un effort appréciable pour documenter un pan méconnu du cinéma japonais.


Revues

Mad Movies n°368 – Février 2023

Les sorties notables de ce mois sont les mêmes que celles que j’avais déjà relevées dans Les Cahiers, soit The Fabelmans (2022), La tour (2022) et Project Wolf Hunting (2022). A part ça, j’ai bien aimé le dossier sur les adaptations au cinéma de Poe, il me manque juste dans leur liste Les fantômes de Hurlevent (1971) et le récent The Pale Blue Eye (2022). Leur second dossier sur les Bee Movies français des années 2000 est également intéressant, même si ça ne m’a pas particulièrement donné envie de voir les titres cités. Enfin Nuit noire de Tom McLoughlin (1981) m’intrigue pour un soir de loose, dans le genre série B fauchée potentiellement distrayante.