Carnet de bord 23/03/2024-29/03/2024

Films vus en compagnie

La gravité de Cédric Ido (2022)

Daniel s’apprête à immigrer au Canada avec son épouse et sa fille. Il perpétue pourtant sa routine, alternant entrainements à la course et visites à son frère handicapé Joshua, qu’il aide à vendre de la drogue. Leur trafic n’est pas du goût des Ronins, une bande de jeunes qui gère le quartier à leur manière et qui tente d’intimider les deux frangins. Quand un ancien dealer de la cité débarque pour voler l’argent des Ronins, la situation dégénère, envenimée par un lugubre alignement de planètes qui met tout le monde à cran.

Depuis quelques années, le cinéma français s’est extirpé de sa léthargie historique envers le cinéma de genre et propose des œuvres originales et ambitieuses. Certaines d’entre elles se sont penchées sur la banlieue, de façon violente (La tour, 2022) ou poétique (Gagarine, 2020). La gravité est à mi-chemin. Il débute sur les mésaventures de petits truands individualistes confrontés à une relève qui les méprise, leur reprochant de n’avoir rien construit pour le quartier. Au moment où les Ronins passent à l’action, le ton change et ça vire en baston dans un sous-sol à la Old Boy (2003).
Cédric Ido a grandi dans une banlieue craignos de Seine-Saint-Denis et sait de quoi il parle. La mise en place est réussie, avec une ambiance inquiétante autour d’ados aux motivations obscures qui pourraient sortir d’Assaut (1976). La seconde moitié, après le basculement de mi-parcours, m’a moins convaincu. J’aurais préféré le maintien d’une menace diffuse sans ce dénouement bourrin. En dépit de cette réserve, La gravité est un effort louable qui diffère agréablement de la production américaine et mérite d’être soutenu.

Sibyl de Justine Triet (2019)

Ecrivaine reconvertie, Sibyl souhaite revenir à ses premières amours. Elle abandonne progressivement son emploi de psychothérapeute pour se concentrer sur la rédaction d’un roman, ne conservant que de rares patients. Elle reçoit un soir des messages de Margot sur son téléphone, une comédienne enceinte qui hésite à avorter. Extrêmement envahissante, la jeune femme harcèle Sibyl dès qu’elle ne lui répond pas immédiatement. Loin de poser des barrières, celle-ci s’implique de plus en plus, prenant Margot comme modèle pour héroïne de son ouvrage.

Sibyl est le troisième long métrage de fiction de Justine Triet après La Bataille de Solférino (2013) et Victoria (2016). La réalisatrice voulait prolonger le travail effectué avec Virginie Efira sur Victoria et explorer d’autres aspects du jeu de l’actrice. Si c’est globalement bien interprété et bien filmé, avec un présent ponctué de brefs flashbacks qui surgissent inopinément, ça ne m’a pas enthousiasmé. Les protagonistes sont détestables, notamment Sibyl qui transgresse allégrement les limites de sa profession. La partie à Stromboli est assez pénible, avec une critique facile du milieu du cinéma. Deuxième raté donc en compagnie du fatigant La Bataille de Solférino, j’espère qu’Anatomie d’une chute me plaira davantage.

Shallow Grave de Danny Boyle (1994, Petits meurtres entre amis)

Alex, David et Juliet sont colocataires dans un vaste appartement d’Édimbourg. Ils ont une chambre à louer mais sont très regardants et font passer de redoutables entretiens aux candidats. Ils finissent par accepter Hugo, un écrivain cynique. Ce dernier meurt dans son lit peu après son emménagement et les trois amis découvrent une valise pleine de billets dans ses affaires. Ils décident de garder l’argent et de se débarrasser du corps.

Shallow Grave est le premier film de Danny Boyle et du scénariste John Hodge, et le premier rôle important pour Ewan McGregor. Doté d’un budget réduit, certains accessoires ayant dû être vendus aux enchères au cours du tournage pour récolter les fonds indispensables à l’achèvement, il cartonna en Grande-Bretagne à sa sortie. Il fut suivi en 1996 par Trainspotting, qui assit la réputation du trio Boyle/Hodge/McGregor. Dès Shallow Grave, Danny Boyle déploie son style lourdingue, qui ne fera qu’empirer avec l’âge. On est dans du sous-Coen, sans la causticité, la qualité plastique et la profondeur. Alex, David et Juliet sont creux et leurs actes sont incohérents, ce qui ne sembla pas déranger Boyle qui estimait que créer des personnages plausibles était une préoccupation d’intellectuels, pas du grand public. Shallow Grave m’a conforté dans mon opinion sur ce metteur en scène surévalué.

Interdit aux chiens et aux Italiens d’Alain Ughetto (2022)

Le réalisateur Alain Ughetto retrace l’histoire de ses grands-parents italiens, Luigi et Cesira, des Piémontais d’un village de montagne pauvre arrivés en France au début des années 20. A travers un dialogue fictif avec sa grand-mère décédée, il dépeint leurs conditions terriblement rudes en Italie, alternance de famine et de guerre, leur immigration et leur vie en France jusqu’à la Deuxième Guerre Mondiale.

Interdit aux chiens et aux Italiens est techniquement magnifique, de l’animation en volume en image par image qui a nécessité un an et demi de boulot. Loin de la cacher, Alain Ughetto l’assume en dévoilant en ouverture les méthodes de fabrication et ne masquant pas les matières utilisées. A l’inverse des Cahiers du cinéma, la distanciation induite par les interventions directes d’Alain Ughetto (outre les échanges avec Cesira, sa main donne des objets aux protagonistes qui l’interpellent) ne m’a pas gêné, bien que cela casse parfois l’investissement émotionnel. Contrairement à ce que laisse supposer le titre, la stigmatisation des Italiens en France est peu abordée et le discours est par moments trop didactique. Cela reste un attachant récit d’immigration dont le fond classique est rehaussé par une forme originale.


Films vus seuls

Ragewar/The Dungeonmaster produit par Charles Band (1984, Mestema, le maître du Donjon)

Paul est réparateur informatique pour la société Xyrex. Il participe à une expérience dans laquelle il est en permanence connecté à Cal, son ordinateur intelligent. Une nuit, tandis qu’il dort dans sa chambre avec sa copine Gwen, il se réveille en tenue de chevalier dans un univers étrange. Le diable se trouve à côté de sa compagne enchaînée à un rocher. Il dit être impressionné par la technologie maîtrisée par Paul et le défie : pour délivrer Gwen, il devra surmonter sept épreuves. En cas de défaite dans l’une d’elles, les âmes de Paul et de Gwen seront damnées.

The Dungeonmaster est une anthologie produite par Charles Band, spécialiste de l’horreur fauchée célèbre pour ses collaborations avec Stuart Gordon (Re-Animator en 1985 ou From Beyond en 1986) ou David Schmoeller (Tourist Trap en 1979 ou Puppet Master en 1989). Initialement nommé Ragewar, les distributeurs le retitrèrent The Dungeonmaster pour surfer sur la mode du jeu de rôles Donjons et Dragons, qui connaissait un succès relatif chez les ados aux Etats-Unis. Charles Band a réuni sept cinéastes novices, confiant à six d’entre eux une épreuve, à un septième les séquences additionnelles et se réservant un segment pour lui-même. Ce sont des techniciens, assistant, monteur, cascadeur, responsable des effets spéciaux, scénariste, à qui il fournit l’occasion de se lancer dans la mise en scène. Le résultat est approximatif en dépit de quelques costumes et marionnettes sympathiques. C’est daté et franchement dispensable.

Night Has a Thousand Eyes de John Farrow (1948, Les yeux de la nuit)

John Triton est un faux devin qui effectue des spectacles bien rodés avec sa fiancée Jenny et son ami Carson. Un soir, il a pour la première fois une véritable vision et sauve de justesse la vie d’un enfant. Dès lors, les prédictions fiables se multiplient et la situation financière des trois comparses s’améliore grâce à des paris victorieux. John est cependant mal à l’aise, se demandant s’il ne déclenche pas les malheurs qu’il prévoit.

Le fade Nightmare (1956) m’a poussé à récupérer cette adaptation antérieure de Cornell Woolrich avec Edward G. Robinson. Le budget est largement supérieur, on est dans du film de studio mené par un professionnel expérimenté (John Farrow, directeur de La grande horloge en 1948), avec une distribution globalement solide. Outre Gail Russell, je note la présence du truculent William Demarest en flic sceptique. Contrairement à Nightmare, le fantastique est assumé et la trame rappelle le britannique The Clairvoyant de Maurice Elvey (1935). Edward G. Robinson convainc davantage en héros tragique que Claude Rains, il est parfait en John Triton condamné à prophétiser le destin funeste de ses proches sans pouvoir agir. La photographie de John F. Seitz, une des figures majeures sur ce poste du Hollywood des années 40-50, est superbe. Les scénaristes se sont évertués à égayer un roman apparemment lugubre et la seconde moitié est plus légère, c’est dommage. Malgré ce défaut, Night Has a Thousand Eyes est un recommandable drame noirisant.

黒の死球 [Kuro no shikyû] de Shunkai Mizuho (1963, Black Dead Ball)

Kashiwagi est découvreur de talents pour une équipe de baseball. Il a des vues sur un étudiant prometteur nommé Kikukawa, qui est également pisté par son ancien mentor et concurrent, Hamada. Contre une grosse somme, Kashiwagi réussit à faire signer un contrat à Kikukawa. Il apprend le lendemain qu’Hamada a été retrouvé mort. Il ne croit pas à la thèse du suicide établie par la police et se lance dans une enquête pour comprendre ce qui est réellement arrivé.

Quatrième volet de la série noire de la Daiei, Black Dead Ball se penche sur le baseball, sport extrêmement populaire au Japon régi depuis longtemps par l’argent et la corruption. Sur un sujet similaire, Masaki Kobayashi avait tourné en 1956 l’excellent Anata kaimasu, critique acerbe du milieu. Kuro no shikyû s’écarte rapidement de cette voie pour se concentrer sur l’investigation conduite par Ken Utsui, vedette de la Shintôhô transférée après la faillite du studio en 1961. Sans être exceptionnel, il est ici meilleur que dans Nyotai sanbashi (1958), ne cherchant pas à se donner un côté dur à cuire qui ne lui correspond pas. Le réalisateur Shunkai Mizuho est un obscur inconnu et le casting est composé de troisièmes couteaux de la Daiei.
La mise en place est efficace, avec des flashbacks qui précisent les liens entre les personnages. L’intrigue n’est pas palpitante mais le rythme ne retombe pas et je me suis pris au jeu. La résolution est décevante, avec un happy end artificiel. Cela demeure plaisant et c’est étonnant que cette série noire de la Daiei ait à ce point sombrée dans l’oubli (j’ai même dû créer la fiche de Kuro no shikyû sur imdb).

Девушка с коробкой [Devushka s korobkoy] de Boris Barnet (1927, La jeune fille au carton à chapeau)

La campagnarde Natacha confectionne des chapeaux avec son vieux père pour une boutique de Moscou. La tenancière du magasin, Madame Irène, ment à la commission du logement en prétendant que Natacha habite chez elle pour conserver à sa disposition une pièce supplémentaire. Un jour, Natacha rencontre Ilia, un provincial sans le sou qui ne trouve pas d’appartement et vit dans la rue. Afin qu’il puisse occuper la chambre vide de Madame Irène, ils procèdent à un mariage blanc.

La jeune fille au carton à chapeau est le premier long métrage en solo de Boris Barnet, mentionné par Les Cahiers de mars 2024. Conçu à l’origine pour promouvoir les emprunts à lots, des obligations d’Etat ouvrant l’accès à une loterie, il est apparemment typique des comédies soviétiques à la mode à cette époque, avec un discours assez naïf confrontant des prolétaires pauvres et purs à une petite bourgeoisie aisée et fourbe. Le jeu des acteur⸱rice⸱s évoque le slapstick hollywoodien des années 10-20, en particulier celui d’Anna Sten qui deviendra une star. A l’opposé de ses contemporains, le montage pour Boris Barnet n’était pas une fin en soi, il prêtait attention à ses interprètes et développa dans La jeune fille au carton à chapeau une narration lyrique. C’est en tout cas une comédie fort agréable et je compte récupérer d’autres œuvres de Barnet.

抜打ち鴉 [Nukiuchi garasu] de Bin Katô (1962, The Lightning Sword)

Shinjiro est un yakuza itinérant au grand cœur. Il est à la recherche de sa sœur qui s’est enfuie avec un samouraï méprisable. Il croise sur la route un garçon appelé Takichi qui a perdu sa mère et qui voyage seul dans l’espoir de retrouver son géniteur. Pour éviter qu’il se fasse rouler par des voleurs sans scrupule, Shinjiro le prend sous son aile et l’escorte. Arrivés à destination, le père supposé de Takichi, un chef de bande ambitieux, refuse de le reconnaître.

Tomisaburô Wakayama est le fils d’un maître de nagauta, un chant de la musique traditionnelle japonaise accompagné d’un shamisen et souvent utilisé dans le théâtre kabuki. Il fut, avec son frère Shintarô Katsu, éduqué à cet art dès son enfance sans que cela le passionne réellement. Quand la Shintôhô lui proposa un contrat alléchant, il sauta sur l’occasion et se lança dans le cinéma, à l’image de Shintarô Katsu qui venait de débuter à la Daiei. Il rejoignit la Toei en 1959 puis la Daiei en 1962 sous le nom de Jô Kenzaburô. Nukiuchi garasu est son troisième opus pour ce studio. Généralement relégué à cette période à des rôles secondaires, c'est un des rares titres où il est au premier plan.
J’ai davantage vu Tomisaburô Wakayama en dur-à-cuire dans ses films de la fin des années 60 et des années 70. Il est ici encore jeune et est étonnamment amical, rien de comparable avec son Ogami Ittô des Baby Cart bien qu’il soit déjà associé à un gosse. L’intrigue classique marche correctement grâce à un casting de qualité. Je remarque notamment la présence de Shigeru Amachi, transféré également de la Shintôhô, en ennemi menaçant. C’est court et efficace, avec des combats réussis, du bon divertissement.


Séries

Carol & the End of the World de Dan Guterman (2023, Carol et la fin du monde), 10 épisodes

Une énorme planète s’approche de la Terre et l’humanité est condamnée. Les gens se libèrent de leurs contraintes, quittent leur emploi et vont vivre leurs rêves. Tous sauf Carol, qui n’a pas de désir secret et se complaisait dans la banalité du quotidien. Pour ne pas inquiéter ses parents, elle prétend s’être initiée au surf. En réalité, elle travaille dans les locaux de la Distraction, un curieux étage dédié à la comptabilité qui continue à fonctionner normalement dans un immeuble désert.

Nous avons regardé par hasard cette série Netflix de dix épisodes dans laquelle une femme ordinaire rejette l’hédonisme de ses contemporains. Il y a parfois des idées intéressantes et les mystères entourant la Distraction sont relativement captivants. Ce n’est malheureusement pas le cas du reste, il y a clairement du remplissage et la plupart des personnages sont insipides. La nudité est complètement gratuite et permet uniquement de gagner une catégorisation « Sexe 16 + » sur Netflix. Mieux vaut passer son chemin.


Livres

Des feuilles dans la bourrasque de Gabriel Garcia Márquez (Grasset, collection « Les Cahiers Rouges », 2005), 157 p.

Un enfant accompagne sa mère et son grand-père dans une chambre obscure où repose un cadavre. Il n’avait jamais vu de mort et il ne sait pas ce qu’il fait là, dans cette demeure de Macondo qu’il croyait abandonnée. Sa mère déplore d’avoir emmené son fils mais elle ne voulait pas y aller seule avec son père. Le défunt était détesté par le village qui espérait qu’il pourrirait sur place et elle craint d’être stigmatisée. Le grand-père se moque de ces considérations, il s’en tient à sa parole et a l’habitude d’aller à contre-courant.

Des feuilles dans la bourrasque est le premier roman de Gabriel Garcia Márquez, publié en 1955. Il marque l’apparition de la bourgade imaginaire de Macondo que Cent ans de solitude rendit mondialement célèbre. Sa spécificité est sa narration éclatée entre les protagonistes et les temporalités. Elle alterne les subjectivités, on découvre progressivement les motivations de chacun à travers des répétitions, le lecteur assistant à une scène similaire vue par le fils, la mère et le grand-père. Gabriel Garcia Márquez était influencé par Faulkner et il regretta de ne pas s’être suffisamment différencié de l’écrivain américain. Ne connaissant pas Faulkner, je ne pourrais me prononcer.
J’ai grandement apprécié Des feuilles dans la bourrasque, exploration initiale de Macondo hantée par la mort, la solitude et la guerre. Le réalisme magique est léger, il ajoute une subtile touche d’étrangeté qu’accentuent les multiples flashbacks et redites. J’ai du mal à comprendre pourquoi ce livre n’est pas prisé des fans de Gabriel Garcia Marquez, je l’ai pour ma part trouvé supérieur aux recueils de nouvelles que j’ai lus précédemment. L’auteur est selon moi meilleur dans la longueur, quand il a le temps de développer son univers, et j’attends avec impatience de lire ses romans ultérieurs.

The Complete Cloudy With a Chance of Meatballs de Judi Barrett & Ron Barrett (Atheneum Books for Young Readers, 2009), 64 p.

Le samedi matin, grand-père prépare des pancakes pour sa fille et ses petits-enfants, Henry et Kate. Les animaux excités de la maison lui font faire une fausse manœuvre et un des pancakes atterrit sur Henry. Le soir, se souvenant de cet incident, il raconte à Henry et Kate l’histoire de l’île de Chewandswallow, où la nourriture tombait du ciel.

Revoir Cloudy with a Chance of Meatballs (2009) m’a donné envie de récupérer la bande-dessiné dont le film était tiré, même si j’avais entendu dire qu’elle n’avait guère de rapport. The Complete Cloudy With a Chance of Meatballs contient Cloudy with a Chance of Meatballs publié en 1978, et sa suite, Pickles in Pittsburgh parue en 1997. Il existe un troisième volet, Cloudy With a Chance of Meatballs 3: Planet of the Pies, qui date de 2013 et n’est pas dans cette édition de 2009. Bien que l’album Cloudy with a Chance of Meatballs soit en apparence très éloigné de son adaptation, un vieux monsieur évoquant un lieu chimérique dépourvu de héros, on sent clairement l’influence, les images marquantes de la bande-dessinée étant répliquées quasi à l’identique dans le long métrage. C’est visuellement riche, j’ai beaucoup aimé le style graphique, la fluidité et la simplicité du récit. Pickles in Pittsburgh est moins mémorable et Cloudy with a Chance of Meatballs 2 (2013) n'en reprendra que l’idée d’un retour sur Chewandswallow. Je le conseille fortement, notamment pour certains parents qui se reconnaitront.


Revues

Pardela n°67 – Automne/Hiver 2023/2024

Au programme de ce trimestre, des articles sur l’outarde canepetière, en rapide déclin sur la péninsule ibérique ; une revue de la nouvelle liste rouge des oiseaux du Portugal présentée en décembre 2023 ; un focus sur l’éducation à l’environnement avec un projet scolaire mené en banlieue de Lisbonne ; une étude de terrain testant des méthodes pour éviter la mort accidentelle des oiseaux marins autour des bateaux de pêche ; et une réflexion sur l’amnésie écologique, concept qui estime que chaque génération prend pour point de référence son écosystème à un instant T en ignorant ce qui l’a précédé.

Je me rends compte que je n’ai pas reçu le numéro 66, qui a dû se perdre dans son voyage par la poste entre le Portugal et la France… Comme d’habitude, rien de palpitant, c’est un magazine plus concis que son équivalent français L'oiseau Magazine. Cela me permet néanmoins de pratiquer un peu mon portugais et d’avoir quelques éléments sur la situation naturaliste dans le pays. Ce n’est pas mieux que chez nous malheureusement…